martes, 29 de marzo de 2011

Sexo, metal y sangre: Tarantino como musa

El artista Tim Doyle tiene como fuente de inspiración las películas de Quentin Tarantino. Entre sus obras se encuentran re-presentaciones de Kill Bill I y II, Reservoir Dogs, y la que aquí se comparte, Death Proof. Para ver el resto de su trabajo, que también será exhibido en la galería Bold Hype, puedes pulsar aquí. El comentario que hace Doyle sobre la icónica escena es particularmente interesante, ya que señala el choque como una metáfora imbuída de sexualidad. En el caso de Death Proof, el choque es una escena violentamente fálica, una orgía de metal y sangre. La débil doncella - el Civic del 1996 - ultrajada por la feroz bestia - el Nova del '71. Me resulta deliciosamente irónico el título de la pieza, ya que la metafórica imagen nada tiene que ver con 'hacer el amor'. A continuación, los dejo con un pasaje del artista comentando la escena, y posteriormente, su obra:

"Death Proof is not my favorite of Tarantino’s films, but having seen my share (and your share, and probably the next 10 people’s share) of Grindhouse films, I knew what he was shooting for, and I appreciate the intent, at least.  HOWEVER- the film has one hum-dinger of a car accident. It’s really a masterstroke of practical effects and sheer violence. Obviously in the film there’s the undercurrent of Stuntman Mike’s car-crash proclivities being a metaphorical (and possibly actual) sexual release, but I also think there’s another level in that these big old American cars can really wreck house on the smaller, crappier modern cars. Mike’s Nova totally disassembles the Civic in the first half, and it isn’t until the girls in the second half get their hands on a Challenger are they a match for Mike. In fact- in the big car chase at the end, all the modern plastic vehicles are merely obstacles to be overcome in this epic muscle-car duel. (Please note, I drive a 2007 Prius…sigh.)" - Tim Doyle

A 1971 Chevy Nova Making Love to a 1996 Honda Civic (Doyle, 2011)

jueves, 24 de marzo de 2011

The Company of Wolves (Jordan, 1984)

Red Ridding Hood (Catherine Hardwicke, 2011) llegó al cine. Sin saber que el genio detrás de la joya cinematográfica de Twilight llevaría a la pantalla grande otra lectura de la antigua historia, me llegó por Netflix la película aquí reseñada - The Company of Wolves (Jordan, 1984). No he visto Red Ridding Hood, pero, definitivamente, hay una opinión bastante generalizada a partir de la crítica profesional, o el sentido común del espectador - la película es una mierda. Para eso se lee la crítica. La piña está agria y no se puede botar el dinero en porquerías. Si quiero perder dos horas de mi vida en la psiquis pubescente de una niña experimentando su periodo menstrual por primera vez, mejor veo en YouTube la película de Jordan. Es la adaptación de un excepcional trabajo literario, también titulado The Company of Wolves (Angela Carter, 1979). La historia, una re-interpretación post-freudiana y feminista de Le Petit Chaperon rouge (Charles Perrault, 1697), es superior a la película. Sin embargo, me resultó interesantísima, aunque es evidente que la frase aging gracefully no se le puede aplicar. Vale la pena ver la ochentosa película por su riqueza alegórica y referencias. Comparto con ustedes la película en su totalidad:

lunes, 21 de marzo de 2011

Reseña: {Le Mépris | Jean-Luc Godard | 1963}

BB

El camarógrafo en la película sigue a una chica, hasta llegar a otra cámara, la auténtica - nuestros ojos:

“Cinema shows us a world that fits our desires.” - André Bazin

Le Mépris es un fractal épico, absurdo y sensual. El erotismo en las escenas próximas a la introducción del filme, casi se puede güelel. Deben rediseñar el Smell-O-Vision solamente para saber a que huele Camille. El genio sardónico de Godard abre con imágenes que quisieras morder. Sin embargo, la escena sugiere algo más que erotismo gratuito. El cineasta complació a las casas productoras americanas con un tiempo requerido de nalgas expuestas, pero hizo con la desnudez de Bardot lo que le dio la gana. Tampoco viene mal que las imágenes de las nalgas de Bardot estén complementadas por la excelente música de Georges Delerue. El mejor desnudo en la historia del cine es producto de una dialéctica transacción entre cineasta y productor - uno de los temas fundamentales de la película.

Godard sacó partido de los grandes recursos financieros a su disposición. El capital llegaba a la producción vía un símbolo sexual e internacional. Bardot fue un hook comercial que se usó sin reparos, pero también hizo de Le Mépris, cuyo libreto fue adaptado de una novela de Alberto Moravia, la película más famosa de Jean-Luc Godard. Bardot y su efecto en la cultura internacional, se cristalizó en un controversial ensayo por Simone de Beauvoir. Todavía reverbera en la actualidad el Síndome de Lolita.

La obra más cara del cineasta, es también la más exitosa. Esto ocurrió cuando la televisión comenzó a cambiar el paradigma de Hollywood - para ponerse al día con este periodo histórico, es bien útil la serie Madmen, un excelente documento historiográfico. Fue una película bien popular, pero también es compleja y poliédrica. En otras palabras, cuando ves Le Mépris, no estás viendo una sola película. Hay más de una narrativa. No me puedo poner con la comemierdería académica de hacer una lista de todos los layers. Sin embargo, ambas películas - la re-lectura de Homero por Lang y la que vemos - giran en torno a la figura de Camille. La riqueza y la complejidad de la película no ocultan el hecho de que Camille es el eje de la vorágine semiótica, que también es una reflexión autorreferencial del cine como arte.

La belleza de Bardot, musa de Godard, es objeto del lujurioso deseo de un productor americano llamado Jeremy Prokosch, interpretado por Jack Palance. Fue una grata sorpresa ver al viejo de City Slickers interpretando a Prokosch, arquetipo del productor autoritario, y the coolest douchebag ever. Una de las múltiples ironías de la película: un ícono de Hollywood en una producción de la Nouvelle Vague. Paul Javal (Michel Piccoli), es un libretista que día a día se gana el desprecio de su mujer. ¿Por qué Paul tiene que sufrir este desdeño? Esta pregunta pudiera ser la base las contemplaciones estéticas que Godard hace sobre el arte y el cine. La relación entre Paul y Camille es una metáfora que da cuenta de la relación artista-arte.

Con esta meditada orientación de personajes, el meta-director, Jean-Luc Godard, devela un choque entre arte gringo vs. arte europeo. Con esto se inserta la película en un contexto histórico: Hollywood, nueva ola y los 60. Sin embargo, también el director atiende sensibilidades que apuntan a un serio trabajo sobre la estética y el cine. Probablemente, una de las evidencias más claras de el cine en los sesenta, es una escena en la cual se lee una frase de Lumière al pie de una pantalla de cine:

“Le cinema è un'invenzione senza avvenire.” (El cine es un invento sin futuro).

Fritz Lang es una especie de sage que acompaña, cual Mentor poseído por Atenea, a Paul. Suena surreal y absurdo, pero el director de Metropolis se interpreta a él mismo en una película de Godard. Honestamente, a mi me hace todo el sentido del mundo. A través de la intervención de una políglota ninfa, - Francesca Vanini, interpretada por Giorgia Moll -  vemos el genio del director alemán. El diálogo entre ella y Lang es uno de los tesoros de Le Mépris.

Godard, con el más poético absurdo posible, y utilizando como vehículo discursivo a la leyenda alemana, se la monta bien cabrón al helenismo. El director hace evidente su virtuosismo poético, que consiste en seducir al cinéfilo a fundirse con el celuloide. No pide mucho más de su público. Nos quiere convencer de que existe lo épico, el triunfo, pero a la misma vez quiere subvertir paradigmas estéticos - matar ídolos: los dioses que tanto ama Prokosch y que son objeto de la poesía fílmica de Lang. La recompensa de contestar el pedido de Godard, es encontrar arte que complementa de forma positiva cualquier cosmogonía, sin importar las brechas generacionales. Godard presenta el absurdo de la condición humana forma poética. No es el primero en hacer esto, él lo sabe muy bien, pero también reconoce su icónico estatus: Beckett en el teatro, Godard en el cine.

Le Mépris, entre sus múltiples atributos – y haciendo referencia al exquisito diálogo mencionado anteriormente - cita Hölderlin:

“But Man, he must, can stand fearless and alone before God. His candor is his shield. He needs neither arms nor wiles until such time as God's absence helps him.”

Este poema, que salió de la boca alemán Lang, me jodió la cabeza bien cabrón. Cuando Godard inserta literatura o filosofía en su cine, es de forma quirúrgica, haciendo de estilo y forma uno solo. También sabemos que la irreverencia siempre esta a flor de piel, lista para subvertir. Ejemplo de esto es un jocoso poema de Shakespeare, en la película donde Odile (Anna Karina) también es eje y musa.

En fin, Le Mépris es un filme que se visita y se re-visita, se lee y se re-lee, de la misma forma que a un sueño recurrente. Este sueño se ha perpetuado a través del lenguaje y sus diversas re-presentaciones estéticas. Pese al pesimismo de la centenaria frase de Lumière, Godard nos invita a seguir soñando con nuestras pulsiones y deseos. Si existen películas que puedan ser consideradas como evidencia de que el cine aún vive, esta tiene que ser una de ellas.


Referencia:
Documental: Il était une fois… LE MEPRIS, Antoine de GAUDEMAR.


sábado, 19 de marzo de 2011

Chillería


Solitude is not often desired,
but I call her my mistress;
at my Broca's brain she's wired.
Her nature is both,
muse and fortress.

She promenades the halls,
made out of her own essence,
and the echoes of her footsteps,
a loud sign of her presence,
bounce against bricked layered walls.

-

She approaches my chambers,
going up a deoxyribonucleic
staircase, that is a continuation
of a previously sequenced,
never-ending set of steps.

Can't wait for the caress of
her lips against the contours
of my outer ear.

Can't wait
for the apocryphal sounds,
the whiplash of a dark
and beastly tongue,
that can make you feel like
a god and a child.


Imagen:
Tomada de: Le Mépris (Godard, 1963)
por: Miguel Adrover Lausell

jueves, 17 de marzo de 2011

Reseña: {Black Dynamite | Scott Sanders | 2009}



Black Dynamite. He's a mean modelfoca - a solid, mystical, Kung-Fu wielding sage of the guetto. Un bad ass. Es el cabrón que hizo de Spawn.

¿Lágrimas? En ésta película se presentan las escenas de llanto más auténticas en la historia del cine angloamericano. ¡Fuck Tyler Perry! Existe Black Dynamite, no hay excusas para ver películas de Madea. Black Dynamite es Black Mamba, el verdadero. Por lo tanto, nunca interrumpan su Kung-Fu. Tampoco maten a su hermano. Nunca usen drogas. De no ser así, la sangre correrá por el gueto. Por las calles dirán: "Se pusieron los huevos a peseta." Nuestro héroe recuerda la última promesa hecha a su madre, y su tía se la recuerda constantemente: "Cuida a tu hermano, no dejes que muera o caiga en las drogas."

Black Dynamite es un hijo de puta si interrumpes su Kung-Fu, si le faltas el respeto a una de sus putas, en fin, te jodiste si le cagas el día por bocón, por accidente, o por que, simplemente te guillaste de mama bicho. Te puedes llevar un pescozón, y te convence de que te lo mereces, terminas dándole gracias y pidiéndole otra, como cualquiera de sus putas. He's the biggest cat in the cage.

El Macho Alpha, moralista y ex-militar, embriagado* de venganza, testosterona e ideologías - y con licencia para matar - se prepara para saciar su sed de vendetta. La única bebida que puede saciar su righteous thirst for vengeance es la sangre del cabrón que mató a su hermano. Puñeta, Black Dynamite es un Bodhisattva, un Cristo. Shaka Zulu es Lady Gaga al lado de Black Dynamite.

El filme es una bella épica, con batallas en las que hay gente que coge más pela que una mula alquilá. Hay personajes como Bullhorn. Las palabras jive-turkey, hip y cat se dicen un cojón de veces.

Black Dynamite es poéticamente absurda al momento de re-presentar temas como retórica, pragmatismo, pacifismo, idealismo, militancia, subversión, revolución, amor, dialéctica master-slave, machismo, virtuosismo técnico...**

Esta película es una obra de arte que tiene muy bien merecida la atención de La Academia. La recomiendo***. 


Notas:

* El anuncio de la única cerveza malt liquor, aprobada por el gobierno federal, es una joya.
** La película se grabó en Super 16. El look, auténticamente vintage, da un aire de afabilidad, homage y respeto hacia los viejos cineastas setentosos, pese a que se la montan bien cabrón. Y cuando digo se la montan, lo que montan es la cabeza del güevo  en las bocas de sus predecesores, y los ponen a mamar.
 *** Gracias a Jean C. Lausell por la recomendación. 

Publicada en los blogs Qiibo y Memorias de un Cabrón Confundido.

domingo, 13 de marzo de 2011

¿Qué puñeta es Symparanekromenoi?

Hoy día es difícil
la pendejá de respirar
de vivir
de existir
de ser
y saber que soy.
Hoy día
una individualidad,
por que me sale
de los cojones,
es difícil de mantener.
¿Todavía estoy pillao'
con Kierkegaard?
¿Aún me seduce
la lengua de Sartre?
No soy poeta
y se me mete
entre ceja y ceja
la fucking poesía.
No me puedo liberar
de ésta absurda bellaquera.

Poetry and Philosophy,
¿which one should be the obverse
if love was an Athenian Tetradrachma?

viernes, 11 de marzo de 2011

$7.25 p/h IV


Arte:
- cilindro de cartón, tinta azul, cámara del iPhone 4 (filtro de luz vía Instagram).
Realidad:
- cagando en el baño de mi trabajo (despachador de piezas de auto en un almacén).

miércoles, 9 de marzo de 2011

¡Feliz Año de la Liebre!

La animación presentada a continuación, hecha con el motivo de las celebraciones del Año de la Liebre, fue censurada en China. Es una interesante representación pese a las barreras lingüísticas y culturales. Se hacen varias referencias a eventos recientes en la actualidad China, particularmente el abuso por parte de oficiales, y la controversia en torno a la toxicidad en la leche. La corta animación, satírica e hiperbólica, ha causado revuelo en las altas esferas del aparato gubernamental chino. Es importante notar el uso de las imágenes y el audio. No es totalmente necesario dominar cualquiera de las antiguas lenguas asiáticas (mandarín o cantonés) para entender el mensaje. Un nutrido grupo disidente, en su mayoría jóvenes con un buen dominio de las herramientas mediáticas de la actualidad, expone creativamente su inconformidad con el Estado. El mensaje es universal: si hay injusticias, ¡coño, saca las uñas y los dientes!

martes, 8 de marzo de 2011

Reseña: {Madeo | Bong Joon-ho | 2009}


Hace unos meses alquilé Madeo (Bong Joon-ho, 2009). Es una historia de amor poco convencional. El amor desprovisto del contenido sacarino que esperamos de las madres, ya sea en la televisión o en el cine. La película se quedó en mi psiquis, dando golpes, revoloteando. La primera y la última escena de la película encierran una producción poderosa, capaz de arrancar risas y llantos. Es la historia de una madre, dispuesta a hacer lo que sea por su hijo 'especial'. Es un thriller salpicado de humor negro, y magistralmente actuado por Kim Hye-ja - ícono de la televisión coreana. Para muchos, es la madre de toda una generación, incluyendo la del director. Para el que se interese en la fuente primaria del texto en cuestión, considero importante hacer mención a Hitchcock y al maestro Imamura, influencias refrescantes y muy bien manejadas.

Decidí alquilar la película nuevamente para pedirle cuentas y dialogar con muchos aspectos del contenido, que para mi representan una madre: sacrificada, errada, protectora, valiente, terrible, fuerte, débil e inteligente. La madre en esta película dispone de cada uno de los adjetivos antes mencionados, pero hay dos factores afectivos que constituyen el auriga de los antes mencionados: la culpa y la desesperación.

La culpa y la desesperación han hecho de Madeo (madre en coreano) una película digna de estremecer nuestras más recónditas memorias maternales. Dicho esto, puede ser categorizada como 'pesada'. Estrategia trillada y usada por muchos, al momento de encontrarse con manifestaciones artísticas que develan lo visceral, lo crudo. Categorizar esta película como pesada es ignorar el poder de su humor, y las actuaciones de Kim Hye-ja, que en nada tienen que envidiarle a las de Meryl Streep en Sophie's Choice, o a las de Ellen Burstyn en Requiem for a Dream. También sería ignorar el trabajo de Bong Joon-ho, una labor de respeto y consideración por una mujer que cosidera su héroe.


En Madeo no tenemos a Gladys Rodríguez en Los García, tenemos una madre soltera, chanchullera, y criando a un hijo con serios problemas cognitivos. El director no tiene intención alguna en hacer de la relación madre-hijo convencional y 'bonita'. El filme es un thriller con sensibilidades detectivescas. El humor negro se inserta en varios momentos claves para luego ser aniquilados e irrumpidos por eventos que te hacen sentir el sufrimiento de la madre. Es por esto que el filme oscila varias veces entre humor y tragedia. No es fácil estar sometido a dicha oscilación, pero un buen director me puede convencer a dejarme llevar, tomar la oscilación como una constante generación de catarsis psicoanalíticas, las cuales pueden ser favorables para cualquiera que tenga mommy issues. Joon me hace contemplar al cine y al psicoanálisis como dos caras de una misma moneda terapéutica.*



La película abre con una exquisita escena de la Madre bailando, al ritmo de una bella música. Sus movimientos son los de una mujer que ama, pero que también sufre. Las imágenes y la música son hipnóticas. Después de la introducción al filme, te das cuenta de que la película es potencialmente refrescante, claro esta, también esperas elementos afines a Host y Memories of Murder.

El matiz detectivesco de hace posible que el tiempo también sea un personaje fundamental. El director juega con las perspectivas temporales y mantiene dicho juego en remojo, desvelando la arquitectutra temporal en su justo momento. Las perspectivas no presentes en el primer recuento de los eventos, sugieren un texto complejo, hilvanado a partir de diversas perspectivas, (ej. la del hijo, la del vagabundo, la niña del celular etc.)

Los aparentes vacíos en la narrativa adquieren una hábil resolución. Resolución en la cual el hijo, víctima ignota de las decisiones de su madre, es parte fundamental en el desenlace catártico de la película. Después de toda una desgarradora historia de sacrificio, la madre encuentra su descanso, su desenlace. Un final que nunca estuvo despegado del principio de la película. Con este trabajo, mas allá de reflexionar sobre lo que es una madre, podemos contemplar qué es el amor, a la luz de lo que es moralmente correcto, para preservar dicho amor. ¿Es este amor, que se intenta preservar, producto de consideraciones 'genuinas'? ¿Qué hace que el amor de madre sea genuino? ¿Realmente el amor siempre tiene que estar en función de lo que es moral o bello?

Y finalmente, la pregunta más importante de todas, a raíz de la película del director coreano; ¿qué es una madre?


Notas: 
Para abundar más sobre el tema del psicoanálisis y el cine, recomiendo la lectura de Slavoj Žižek

Publicado el 11 de marzo en el blog Qiibo: Mother: Una historia de amor poco convencional.

sábado, 5 de marzo de 2011

Kipple

Cinco siglos durmiendo
para despertar
y ser el único
que ya no duerme,
el último de los despiertos.
Acompañado por el detrito,
por el ensordecedor grito
de una soledad post-apocalíptica.
Rodeado de memoria tangible
que no se puede compartir.
Monumentos accidentales
e intencionados.
Recuerdos, ¿de quienes?
Mi ancla se perdió
en un océano de cinco siglos,
quinientos años de sueño,
quinientos años de durmiendo.
Creí estar muerto.
Soñé con la eternidad,
pero solo fueron cinco siglos.
No hay nadie.
Mi soledad es absoluta.
La esquizofrenia,
la fragmentación de mi ser,
será el único [re]medio,
un [re]curso psíquico
para sobrevivir.
La locura se convertirá
en la metadona,
la emulación del Otro,
el que en algún momento,
me llevó a contemplar
el sueño multicentenario,
como una anhelada
alternativa misantrópica.
Estoy hablando solo
y nadie me puede acusar de loco.
Estoy satisfecho
con el diseño de mi locura,
pero mi locura
tiene un solo juicio,
el mío.

*[Debí haber ajustado la cámara de hibernación a solo cien años...]*

jueves, 3 de marzo de 2011

Nueva herramienta del blog

Todo el mundo usa Wikipedia y Google. Si antes se pensaba para ser o existir, ahora 'googleamos', luego somos. Ser un erudito hoy día no es difícil. El internet es una poderosa herramienta que hace posible el acceso a la información como nunca antes. Por lo tanto, blogueros como yo podemos tener a nuestro alcance recursos retóricos y lingüísticos que antes eran prácticamente exclusivos para academia. El lenguaje que se utiliza en este blog muchas veces atiende requerimientos discursivos, otras veces responde a vanidad - un constante deseo por aparentar erudición. Dicho esto, las elucubraciones y las palabras rebuscadas no faltan en mi gestión. Gracias a PuertoRicoIndie.com, encontré una herramienta para el blog que en algo puede aliviar, o desenmarañar, el revolú lingüístico. Si sombreas alguna palabra o concepto críptico, aparecerá un icono que lee 'Learn More'. Al oprimir el botón podrás tener acceso a diversos medios cibernéticos - Wikipedia, Bing, Youtube, etc. - que complementen la lectura. Todo esto sin salir del blog. Espero que la herramienta les sea tan útil como lo es para mi.

miércoles, 2 de marzo de 2011

Reseña: {Schizofredric | Poyiadgi | 2010}

 Ganadora del Segundo Premio en el Science Fiction + Fantasy Short Film Festival

Una muy buena sensación, que se la recomiendo a cualquiera, es descubrir cosas nuevas. El cortometraje Schizofredric, dirigido por Andy Poyiadgi, fue recomendado por la pagina io9. La película es poco ortodoxa, por no decir totalmente chinga mentes... (continuar lectura en PuertoRicoIndie.com)

martes, 1 de marzo de 2011

Reseña: {Braids | Native Speaker | Kanine; 2011}


"Native Speaker is by nature elliptical, never seeking out a final word even as it converses with itself, almost as if it's meant to be played as a loop, something that can begin as soon as it ends." - Ian Cohen

Después de la cuarta vez de escuchar el disco, decido escribir la mierda ésta para explicar por qué el Native Speaker es una experiencia musical, más que un simple álbum nuevo… (continuar la lectura en PuertoRicoIndie.com)